도쿄에서 만나는 파리의 찰나, 드가를 찾아 떠나는 도쿄 미술관 산책

안녕하세요, 예술의 깊은 내면과 그 발자취를 따라가는 여정, 아티너리(Artinery)입니다.

 

지난번 에피소드에서는 클림트의 키스를 통해 찬란한 금빛으로 물든 낭만과 황홀경을 만끽하셨나요?

오늘은 그 눈부신 환상에서 잠시 내려와, 화려한 무대의 조명이 닿지 않는 차가운 그늘 속으로 여러분을 안내하려 합니다.

 

오늘 우리가 만날 주인공은 인상주의의 이단아이자 냉철한 관찰자, 에드가 드가(Edgar Degas)입니다.

흔히 드가를 '발레의 화가'라 부르며 우아한 몸짓만을 떠올리곤 하지만,

그의 캔버스에 담긴 것은 아름다운 춤사위만이 아니었습니다.

 

그는 무대 뒤에서 가쁜 숨을 몰아쉬는 무용수들의 고단함, 화려한 분장 속에 감춰진 가난과 현실의 무게, 그리고 찰나의 순간을 포착하기 위해 집요하게 파고들었던 인간의 적나라한 모습을 그렸습니다.

 

무대 위의 환상보다 더 지독하게 현실적이었던 드가의 시선을 따라,

19세기 파리 오페라 극장의 비하인드 스토리를 지금 바로 시작합니다.

에드가 드가(Edgar Degas)

그는 인상파의 화려한 색채 속에 몸을 담그면서도, 스스로를 '인상주의자'라기보다 철저한 '관찰자'이자 '데생 화가'로 정의했던 고집스러운 예술가입니다.

찰나의 빛보다 그 빛 아래 움직이는 인간의 신체와 그 너머의 심리를 집요하게 파고들었던 화가죠.

우리는 흔히 그를 '무희의 화가'라 부르며 우아한 발레리나의 모습만을 떠올리지만, 사실 드가는 화려한 무대 위의 환상보다 그 이면에 감춰진 지독한 현실과 인간의 피로함을 가장 진솔하게 포착해낸 거장이기도 합니다.

에드가 드가 1834-1917, 출처: Wikimedia Commons , Public Domain

에드가 드가의 작품을 떠올릴 때 우리는 흔히 파리의 오르세 미술관을 가장 먼저 생각하죠. 하지만 미술사 전공자들에게 도쿄는 아시아에서 드가의 숨결을 가장 가깝고 깊게 느낄 수 있는 보석 같은 도시입니다.

멀리 유럽까지 가지 않아도, 도쿄 도심 한복판에서 무대 뒤 무희들의 거친 숨소리를 마주할 수 있는 특별한 여정. 오늘은 아티너리와 함께 드가를 만나는 도쿄의 핀포인트를 따라가 봅니다.

 

1. 스포트라이트가 닿지 않는 ‘찰나’의 포착

드가는 발레의 화려한 공연 장면보다 연습실 구석에서 지쳐 쓰러진 모습, 발목을 주무르는 모습, 혹은 하품을 하는 무희들을 집요하게 그렸습니다.

‘두 발레 무희의 휴식’, 1879년, 종이에 파스텔, 버몬트 쉘부른미술관 소장, 사진 위키아 출처 : 데일리투머로우(https://www.dailytw.kr)

 

‘기다림’, 1882년, 종이에 파스텔, 48.3x61cm, 로스엔젤레스 폴 게티미술관 소장, 사진 위키아트 출처 : 데일리투머로우(https://www.dailytw.kr)

• Artinery's Insight: 그는 발레리나를 천사 같은 존재가 아닌, 노동하는 인간으로 보았습니다. 당시 사진술의 발달에 매료되었던 드가는 스냅샷처럼 인물을 프레임 끝에 잘라 배치하는 파격적인 구도를 선보였죠. 이는 관객이 마치 열린 문틈으로 그들의 사생활을 '훔쳐보는 것 같은(Voyeurism)' 기묘한 긴장감을 선사합니다.

2. 그림 속 검은 양복을 입은 남자들, ‘아보네(Abonnés)’

드가의 발레 그림을 자세히 보면, 무대 뒤편이나 연습실 구석에 검은 양복을 입고 지켜보는 남성들이 자주 등장합니다.

그들은 누구일까요?

'무대 뒤의 무용수들', 1872-1875년, 오르세 미술관 (Musée d’Orsay) 소장, 출처: Wikimedia Commons , Public Domain

• Artinery's Insight: 그들은 당시 파리 오페라 극장의 연간 후원자인 '아보네'들입니다. 당시 가난한 노동계급 출신이었던 발레리나들에게 이들은 후원자이자, 때로는 가혹한 스폰서였습니다.
드가는 화려한 튀튀(Tutu) 너머에 존재하는 계급적 모순과 권력관계를 캔버스 위에 아주 냉소적으로 배치해 두었습니다.

3. 미완성 같은 완성, 파스텔의 마법

드가는 시력이 약해지면서 유화보다는 파스텔을 즐겨 사용했습니다.

겹겹이 쌓아 올린 파스텔 가루는 무대 조명의 몽환적인 효과를 극대화했죠.

'푸른 무희들' 1897년, 미국 뉴욕 메트로폴리탄 미술관(The Metropolitan Museum of Art) 소장, 출처: Wikimedia Commons , Public Domain

• Artinery's Insight: 그의 거친 터치는 인물의 형태를 뭉개버리기도 하지만, 오히려 그 덕분에 무희들의 움직임은 살아 움직이는 듯한 생동감을 얻습니다. 아름다움을 미화하기보다 '움직임의 본질'을 쫓았던 전공자적인 집요함이 드러나는 대목입니다.

 

🏛️ 아티너리 전공자 Note
도쿄 국립서양미술관의 <14세의 어린 무용수> 조각은 전 세계에 몇 안 되는 에디션 중 하나입니다.

전시실의 조명 각도에 따라 소녀의 그림자가 벽면에 길게 드리워질 때, 그 실루엣을 가만히 응시해 보세요.

19세기 파리 오페라 극장 뒷골목의 서늘한 공기가 느껴질지도 모릅니다.

열네 살의 어린 무희, 에드가 드가, 도쿄 국립서양미술관 소장, 국립서양미술관 공식 홈페이지

 

[여정을 마치며]

드가는 말했습니다. "예술은 당신이 보는 것이 아니라, 당신이 다른 사람으로 하여금 보게 만드는 것이다."
우리는 그의 그림에서 우아함을 기대하고 들어왔다가, 삶의 무게를 견디는 한 인간의 뒷모습을 마주하게 됩니다.
아티너리가 안내하는 오늘의 여정, 드가의 캔버스를 통해 여러분은 어떤 이면의 진실을 발견하셨나요?

예술은 때때로 예쁘지 않기에 더욱 진실됩니다.